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Mesopotâmia: História da Moda

Mesopotâmia: História da Moda


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Este vídeo detalha adequadamente o traje, o cabelo e a maquiagem (tanto masculina quanto feminina) dos mesopotâmicos, especificamente dos sumérios que viveram na região sul do atual Iraque.


Arquivos de moda: um olhar sobre a história do tecido de linho

Jaquetas de linho Eileen Fisher

No início da civilização, as roupas (obviamente) não eram as mais glamorosas. Ou seja, você jogaria uma pele de animal e encerraria o dia. O tecido como o conhecemos hoje não existia, então as roupas eram pesadas e provavelmente bem nojentas.

Felizmente, nós, humanos, somos criaturas engenhosas e descobriríamos a fibra que inspirou os tecidos com os quais estamos familiarizados hoje: linho.

O linho é bonito, macio e talvez o mais antigo tecido construído conhecido. Por exemplo, no país da Geórgia, os arqueólogos descobriram fibras de linho de 34.000 anos que evidentemente foram tingidas com cores vivas e lindas por nossos antepassados ​​criativos.

Na verdade, uma vez que a civilização atingiu o ponto de ser capaz de cultivar a terra, isso se tornou uma virada de jogo para roupas e tecidos. As pessoas começaram a cultivar linho, e desta planta era feito o linho. As fibras foram transformadas em tecido e as peles foram eliminadas em favor dessa matéria-prima mais manejável (e provavelmente mais limpa).

Uma vez que a planta do linho é nativa de muitos lugares ao redor do mundo, do norte da África à Índia e à Europa Ocidental, o linho tem raízes e história em uma variedade de culturas.

Na mesopotâmia, o cultivo intensivo de mão-de-obra e o processo de fabricação do linho tornavam-no extremamente valioso. Tanto é assim, que apenas a realeza ou líderes religiosos, como padres, poderiam ser considerados dignos de usá-lo, ou mesmo pagar por ele.

No antigo egito, o linho também era valorizado por sua raridade, mas outros fatores contribuíram para seu valor também. Os egípcios reconheceram que sua roupa de cama de qualidade é leve, resistente a insetos e absorve a umidade - perfeita para um clima quente. Além disso, na cultura egípcia antiga, a higiene era extremamente importante, e o linho, com suas propriedades antimicrobianas e textura macia, era considerado um material puro. Na verdade, acreditava-se que quanto mais branco o tecido, mais pura a vestimenta, chegando mesmo a chamá-la de “luar tecido”.

Sabendo de tudo isso, não é surpresa que os sacerdotes egípcios só pudessem usar linho. O tecido (e a cor branca brilhante) era muito procurado para uso em vários rituais. Naquela época, o trabalho de “Chief Royal Bleacher” era uma profissão real, embora rigorosa. A arte da época retrata um intenso processo de levantar e esfregar o tecido, batendo-o em uma pedra, esfregando o tecido com couro e repetindo até que possa finalmente ser colocado para secar ao sol. O linho era tão bem cuidado que, quando os arqueólogos descobriram o faraó Tutancâmon, em 1922, partes dos invólucros de linho que cobriam o corpo foram quase perfeitamente preservados, apesar dos séculos que se passaram.

Quando o Romanos conquistou o Egito no século 4 a.C., sua opinião sobre o linho foi na direção exatamente oposta. Enquanto os tecidos egípcios eram caracterizados pelo branco mais branco, os romanos trouxeram com eles tintas vivas e brilhantes.

Em seus escritos, Plínio, o Velho, falou de uma competição patrocinada por Alexandre, o Grande, enquanto ele navegava no rio Indo. Como o primeiro homem a tentar tingir linho, ele apresentou um desafio aos seus generais: quem poderia tingir suas velas com a cor mais marcante? Ele até fez com que espectadores das margens do rio servissem de juízes enquanto os navios passavam. A mania das cores romanas continuou no reinado de César. O ditador até ordenou que os toldos de linho que se estendiam por todo o Fórum Romano fossem “tingidos de azul e cravejados de estrelas”.

Os comerciantes fenícios trouxeram linho para a Europa por volta de 900 a.C., e os romanos estabeleceram fábricas de linho na Grã-Bretanha e na Gália para atender ao fornecimento e à demanda de suas forças coloniais. No entanto, seu uso não ganhou destaque na Europa até a Idade Média.

Todos os tipos de roupas eram cortados de tecido de linho e, no século 16, o cultivo do linho era generalizado. Em vez de ser reservado para um grupo seleto, o tecido explodiu em popularidade.

Durante o século 17, a indústria do clássico “linho irlandês” foi estabelecida. O conde de Strafford e mais tarde o duque de Ormonde impulsionaram a indústria para evitar a competição com o comércio de lã inglês.

Strafford trouxe especialistas de outras partes da Europa para aconselhar e importou equipamento holandês, bem como sementes de linho de alta qualidade. A indústria decolou ao longo dos séculos que se seguiram, e o linho irlandês tornou-se um tecido atemporal e bem conceituado.

Pouco mudou no processo - hoje em dia o linho irlandês ainda é tecido nas áreas tradicionais em que a indústria se estabeleceu, pelos descendentes daqueles que começaram no comércio. Embora a indústria moderna seja muito menor (devido em parte à competição de tecidos mais baratos e de qualidade inferior), ela ainda prospera hoje.

Hoje, o linho está aparecendo cada vez mais na moda por diversos motivos. No que diz respeito à sustentabilidade, o linho faz sentido - as fibras naturais são melhores para o meio ambiente e é uma excelente alternativa ao algodão.

Além disso, sua qualidade e desempenho conferem um toque luxuoso, mesmo quando usado em roupas casuais. O tecido tem aparecido em muitas etiquetas de alto perfil.


Arquivos de moda: a história da franja

A franja (o acabamento decorativo nas roupas, não a versão britânica da franja) está de volta à cena da moda ultimamente. Você pode identificá-lo sendo usado em uma variedade de estilos, de jaquetas de camurça ásperas a vestidos de festa glamorosos.

Este enfeite é definitivamente tendência - embora este seja apenas um dos muitos avivamentos. Na verdade, as franjas estão dentro e fora de moda há mais de cem anos e já existem há séculos.

Mesopotâmia Antiga

Fringe teve origem em 3000 a.C. na Mesopotâmia, ou atual Iraque. Acredita-se que tenha sido usado amplamente em muitas civilizações e por todas as classes de pessoas. Embora nenhuma evidência física da franja mesopotâmica exista hoje, as pessoas desse período deixaram esculturas detalhadas, estátuas e relatos escritos que nos dão uma imagem de como era esse antigo enfeite.

A franja era usada principalmente em saias e xales, para adornar roupas de algodão ou linho (e para os ricos, seda). Ela vinha em uma variedade de estilos, pendurada em linha reta, com nós ou amarrados em designs exclusivos.

Nos últimos anos da Mesopotâmia, a franja tornou-se cada vez mais elaborada. As modas incluíam franjas tingidas em todos os tipos de tons, ou em camadas, embelezando toda a vestimenta.

A franja era tão importante para a cultura mesopotâmica que até foi usada como uma espécie de assinatura para contratos importantes. Em vez de assinar seu nome ou usar um selo, os homens pressionavam suas franjas em um contrato de argila - eles eram tão únicos.

Uma parte da cultura nativa americana

Os nativos americanos também são considerados alguns dos primeiros a incorporar franjas em suas roupas. Esse enfeite geralmente era criado separadamente do resto da vestimenta, com o tecido cortado em tiras ou torcido em cordões.

Couro ou camurça era o material escolhido. Para muitas tribos, a franja servia a uma variedade de propósitos, sendo tanto decorativa quanto prática. Por exemplo, esse tipo de enfeite ajudava o usuário a repelir a água da chuva - as gotas que desciam pelas borlas e se afastavam do corpo.

Fringe também foi inicialmente uma forma de sustentabilidade para os nativos americanos. Em suas confecções, era prática comum não aparar as costuras, pois isso era considerado um desperdício.

Isso era especialmente verdadeiro para roupas de couro, já que o couro levava muito tempo para ser preparado. Em vez disso, as costuras foram cortadas em franjas para criar uma aparência mais decorativa. Qualquer outro material excedente era transformado em franja e usado para embelezar as roupas. As franjas seriam usadas como estão, ou decoradas com miçangas ou tintas.

The Golden Age of Fringe

A década de 1920 foi a glamourosa idade de ouro da franja. As modas desta década são fáceis de reconhecer - os vestidos eram soltos, cortados em tecidos luxuosos e arrematados com franjas.

Os designers Madeline Vionette e Charles Worth são considerados pioneiros na versão dos anos 20 da moda com franjas. Worth criou um vestido "ouropel" prateado, enquanto a versão da Vionette apresentava uma estampa floral ousada acentuada com franjas longas e extensas.

Um vestido em particular, o Charleston (batizado em homenagem ao baile) era totalmente coberto de franjas. Era um vestido de festa popular devido a um efeito especial - ao dançar, a franja se movia e balançava junto com o usuário, às vezes até revelando um lampejo de perna.

Muitas celebridades icônicas dessa época incorporaram looks glamorosos com franjas em seus guarda-roupas. Joan Crawford, Olive Borden e Claudette Colbert estavam entre as muitas que adoraram esse enfeite.

Uma Borda Rebelde

Fringe saiu de moda brevemente por alguns anos e, quando voltou, na década de 1950, assumiu um aspecto mais rebelde. Jaquetas de motoqueiro de couro começaram a apresentar detalhes com franjas - as jaquetas e luvas de motociclista dos Hell’s Angels eram frequentemente enfeitadas com elas.

Ao mesmo tempo, as jaquetas com franjas de Elvis Presley tornaram-se parte de seu visual característico. Fringe também estava na moda para divas da tela de cinema, como Rita Hayworth. Em 1952, ela surpreendentemente usou um vestido coberto inteiramente de lantejoulas e franjas.

1960 e # 8217s e 1970 e # 8217s

Os estilos de franja completaram o círculo nos anos 60 e 70, quando muitos designers se inspiraram nas franjas originais dos nativos americanos, bem como nos estilos da África.

Yves Saint Laurent criou duas coleções com franjas em 1967, e muitas celebridades usaram jaquetas com franjas e vestidos de camurça.

Tornou-se um look especialmente icônico para Cher, que incorporou franjas em suas roupas casuais e de noite. Quem poderia esquecer os vestidos ultrajantes com franjas que ela usa em apresentações e videoclipes?

Hoje, a franja tem sido tendência nas últimas temporadas. Ele foi visto nas passarelas de Derek Lam, Edun, Hugo Boss, Diane Von Furstenberg, Anna Sui e Prabal Gurung, apenas para citar alguns. É uma tendência que continua a surgir e provavelmente veio para ficar.


Conteúdo

O desenvolvimento da manufatura de têxteis e roupas na pré-história tem sido objeto de vários estudos acadêmicos desde o final do século XX. [3] [4] Essas fontes ajudaram a fornecer uma história coerente desses desenvolvimentos pré-históricos. As evidências sugerem que os humanos podem ter começado a usar roupas há cerca de 100.000 a 500.000 anos. [5]

Adoção antecipada de edição de vestuário

A análise genética sugere que o piolho do corpo humano, que vive com roupas, pode ter divergido apenas do piolho da cabeça há cerca de 170.000 anos, o que confirma a evidência de que os humanos começaram a usar roupas nessa época. Essas estimativas são anteriores ao primeiro êxodo humano conhecido da África, embora outras espécies de hominídeos que podem ter usado roupas - e compartilhar essas infestações de piolhos - pareçam ter migrado antes.

As agulhas de costura foram datadas de pelo menos 50.000 anos atrás (Denisova Cave, Sibéria) - e exclusivamente associadas [ esclarecimento necessário ] com uma espécie humana diferente dos humanos modernos, ou seja, H. Denisova / H. Altai. O exemplo mais antigo possível é de 60.000 anos atrás, uma ponta de agulha (sem haste e olho) encontrada na caverna de Sibudu, na África do Sul. Outros primeiros exemplos de agulhas datando de 41.000 a 15.000 anos atrás são encontrados em vários locais, por ex. Eslovênia, Rússia, China, Espanha e França.

As primeiras fibras tingidas de linho foram encontradas em uma caverna pré-histórica na Geórgia e datam de 36.000. [6]

A estatueta de Vênus "Vênus de Lespugue", de 25.000 anos, encontrada no sul da França nos Pirineus, retrata uma saia de tecido ou fibra trançada. Outras estatuetas [ que? ] da Europa Ocidental eram adornados com chapéus ou bonés de cesta, cintos eram usados ​​na cintura e uma tira de pano que envolvia o corpo logo acima do peito. As estatuetas da Europa Oriental usavam cintos, pendiam baixas nos quadris e, às vezes, saias de barbante.

Os arqueólogos descobriram artefatos do mesmo período que parecem ter sido usados ​​nas artes têxteis: (5000 aC) medidores de rede, agulhas de fuso e varetas de tecelagem. [ citação necessária ]

O conhecimento de têxteis e roupas antigos se expandiu no passado recente devido aos desenvolvimentos tecnológicos modernos. [7] O primeiro tecido real, ao contrário das peles costuradas juntas, provavelmente foi sentido. [ citação necessária ] O primeiro têxtil conhecido da América do Sul foi descoberto na Caverna Guitarrero, no Peru. Foi tecido com fibras vegetais e remonta a 8.000 a.C. [8] Exemplos sobreviventes de Nålebinding, outro método têxtil antigo, foram encontrados em Israel e datam de 6500 aC. [9]

Edição de teares

Desde a pré-história até o início da Idade Média, para a maior parte da Europa, Oriente Próximo e Norte da África, dois tipos principais de tear dominam a produção têxtil. Estes são o tear de urdidura e o tear de dois feixes. O comprimento da trave do tecido determinava a largura do tecido tecido sobre ela e podia ter até 2–3 metros. O segundo tipo de tear é o tear de duas vigas. [10] As primeiras roupas tecidas costumavam ser feitas de teares inteiros, drapeados, amarrados ou presos com alfinetes.

Edição de Preservação

Nosso conhecimento das culturas varia muito com as condições climáticas às quais os depósitos arqueológicos estão expostos. O Oriente Médio e as franjas áridas da China forneceram muitas amostras iniciais em boas condições, mas o desenvolvimento inicial de têxteis no subcontinente indiano, África subsaariana e outras partes úmidas do mundo permanecem obscuras. No norte da Eurásia, as turfeiras também preservam muito bem os tecidos.

O comércio têxtil no mundo antigo Editar

Ao longo do Neolítico e da Idade do Bronze, os terrenos férteis da Estepe Eurasiana proporcionaram um local para uma rede de comunidades nômades se desenvolver e interagir. A Rota das Estepes sempre conectou regiões do continente asiático com o comércio e a transmissão de cultura, incluindo roupas.

Por volta de 114 aC, a Dinastia Han, [11] iniciou a Rota do Comércio da Rota da Seda. Geograficamente, a Rota da Seda ou Rota da Seda é uma série interconectada de rotas comerciais antigas entre Chang'an (hoje Xi'an) na China, com a Ásia Menor e o Mediterrâneo se estendendo por mais de 8.000 km (5.000 milhas) por terra e mar. O comércio na Rota da Seda foi um fator significativo no desenvolvimento das grandes civilizações da China, Egito, Mesopotâmia, Pérsia, o subcontinente indiano e Roma, e ajudou a lançar as bases para o mundo moderno. A troca de têxteis de luxo era predominante na Rota da Seda, que ligava comerciantes, mercadores, peregrinos, monges, soldados, nômades e moradores urbanos da China ao Mar Mediterrâneo durante vários períodos de tempo.

Antigo Próximo Oriente Editar

Os primeiros tecidos tecidos conhecidos do Oriente Próximo podem ser tecidos de linho usados ​​para embrulhar os mortos, escavados em um sítio neolítico em Çatalhöyük na Anatólia, carbonizados e "protegidos por várias camadas de argila / gesso, em um ambiente anaeróbico. Eles eram ' cozido ', ou' cozido a vapor '"[12] em um fogo e radiocarbono datado de c. 6000 AC. [13] Existem evidências de cultivo de linho de c. 8.000 aC no Oriente Próximo, mas a criação de ovelhas com lã lanosa em vez de cabelo ocorre muito mais tarde, c. 3000 ANTES DE CRISTO. [13]

Na Mesopotâmia, as roupas de um sumério regular eram muito simples, especialmente no verão, no inverno usando roupas feitas de pele de ovelha. Até mesmo homens ricos foram retratados com torsos nus, vestindo apenas uma espécie de saia curta, conhecida como Kaunakes, enquanto as mulheres usavam vestidos longos até os tornozelos. O rei usava uma túnica, um casaco que ia até os joelhos, com um cinto no meio. Com o tempo, o desenvolvimento da arte da tecelagem de lã levou a uma grande variedade de roupas. Assim, no final do terceiro milênio aC e posteriormente, os homens usavam uma túnica de mangas curtas e até nos joelhos, com um cinto (sobre o qual os ricos usavam um manto de lã). Os vestidos femininos apresentavam designs mais variados: com ou sem mangas, estreitos ou largos, geralmente longos e sem realçar o corpo [14]

Um possível gancho de cinto de osso encontrado nas camadas da Idade do Bronze de Yanik Tepe, do nordeste do Lago Urmia (Irã)

Estátuas sumérias de adoradores (homens e mulheres) 2800-2400 aC (início do período dinástico) Museu Nacional do Iraque (Bagdá)

O deus Abu (?) E uma estatueta feminina 2800-2400 aC (período dinástico inicial) do Templo Quadrado de Abu em Tell Asmar (antiga Eshnunna (Iraque)) Museu Nacional do Iraque. A tanga tornou-se reconhecivelmente uma saia e os tufos retorcidos encolheram para uma franja [15]

o Estátua de Ebih-Il c. 2.400 AC Gesso, xisto, conchas e lápis-lazúli altura: 52,5 cm Louvre (Paris)

Índia Antiga Editar

As escavações de locais da Civilização do Vale do Indo até agora renderam alguns fios de algodão retorcido, no contexto de um cordão de conexão, para um colar de contas. [16] No entanto, uma estatueta de terracota descoberta em Mehrgarh mostra uma figura masculina usando o que é comumente interpretado como um turbante. Uma estatueta, rotulada de "Rei Sacerdote", do site de Mohenjo-daro, retrata o uso de um xale com padrões florais. Até agora, esta é a única escultura do Vale do Indo a mostrar roupas com detalhes tão explícitos. Outras esculturas de Dancing Girls, escavadas em Mohenjo-daro, mostram apenas o uso de pulseiras e outras joias. [17] No entanto, não fornece nenhuma prova concreta para legitimar a história do vestuário nos tempos de Harappan. Harappans podem até ter usado cores naturais para tingir seus tecidos. A pesquisa mostra que o cultivo de plantas de índigo (gênero: Indigofera) foi prevalente.

Heródoto, um historiador grego antigo, menciona o algodão indiano no século 5 aC como "uma lã que excede em beleza e bondade a das ovelhas". Quando Alexandre o Grande invadiu a Índia, em 327 aC, suas tropas começaram a usar roupas de algodão que eram mais confortáveis ​​do que as anteriores de lã. [18] Estrabão, outro historiador grego, mencionou a vivacidade dos tecidos indianos, e Arrian falou sobre o comércio indiano-árabe de tecidos de algodão em 130 dC. [19]

Estátua do "Rei Sacerdote" vestindo um manto 2.400–1900 aC Museu Nacional de esteatita de fogo baixo de 2.400 a.C. do Paquistão (Karachi)

O Didarganj Yakshi representando o envoltório dhoti por volta de 300 AC Bihar Museum (Índia)

O Buda vestindo mantos kāṣāya por volta de 200 aC Museu Nacional de Tóquio (Japão)

Forma antiga de Churidar usado durante o período Gupta por volta de 300 AD National Museum (Nova Delhi)

Pintura em painel de madeira descoberta por Aurel Stein em Dandan Oilik, retratando a lenda da princesa que escondeu ovos de bicho-da-seda em seu cocar para contrabandear para fora da China para o Reino de Khotan Museu Britânico dos séculos 7 a 8 (Londres)

Editar Egito Antigo

Existem evidências para a produção de tecido de linho no Antigo Egito no período Neolítico, c. 5500 AC. O cultivo de linho selvagem domesticado, provavelmente uma importação do Levante, está documentado já em c. 6000 AC. Outras fibras liberianas, incluindo junco, palmeira e papiro, eram usadas sozinhas ou com linho para fazer cordas e outros tecidos. As evidências da produção de lã no Egito são escassas neste período. [20]

As técnicas de fiação incluíam o fuso drop, a fiação mão a mão e o enrolamento do fio na coxa também eram emendados. [20] Um tear de solo horizontal foi usado antes do Novo Império, quando um tear de duas vigas vertical foi introduzido, provavelmente da Ásia.

Bandagens de linho eram usadas no costume de enterro de mumificação, e a arte retrata homens egípcios usando kilts de linho e mulheres em vestidos estreitos com várias formas de camisas e jaquetas, muitas vezes de tecido plissado transparente. [20]

Par de sandálias de 1390 a 1352 aC Grama, junco e papiro Metropolitan Museum of Art (Nova York)

Ilustração do livro Trajes e decorações egípcias, assírias e persas antigas

Ilustração de uma deusa de Trajes e decorações egípcias, assírias e persas antigas

Estátua de Sobekhotep VI, que usa a saia masculina egípcia, a Shendyt, do Neues Museum (Berlim, Alemanha)

China Antiga Editar

A evidência mais antiga da produção de seda na China foi encontrada nos locais da cultura Yangshao em Xia, Shanxi, onde um casulo de bombyx mori, o bicho-da-seda domesticado, cortado ao meio por uma faca afiada é datado entre 5.000 e 3.000 aC. Fragmentos de teares primitivos também são vistos nos locais da cultura Hemudu em Yuyao, Zhejiang, datados de cerca de 4000 aC. Pedaços de seda foram encontrados em um local de cultura Liangzhu em Qianshanyang em Huzhou, Zhejiang, que remonta a 2700 aC. [21] [22] Outros fragmentos foram recuperados de túmulos reais na [Dinastia Shang] (c. 1600 - c. 1046 aC). [23]

Sob a Dinastia Shang, as roupas chinesas Han ou Hanfu consistiam em um sim, uma túnica de punho estreito, na altura do joelho amarrada com uma faixa, e uma saia estreita, na altura do tornozelo, chamada shang, usado com um bixi, um pedaço de tecido que chegava aos joelhos. As roupas da elite eram feitas de seda em cores primárias vivas.

Pintura do Imperador Yao vestindo uma shenyi

Tecido de seda tecido de Mawangdui em Changsha (província de Hunan, China), do século 2 a.C.

o Mianfu do Imperador Wu da dinastia Jin, pintura do século 7 do artista da corte Yan Liben

Tailândia Antiga Editar

As primeiras evidências de fiação na Tailândia podem ser encontradas no sítio arqueológico de Tha Kae, localizado no centro da Tailândia. Tha Kae foi habitada durante o final do primeiro milênio AC até o final do primeiro milênio DC. Aqui, os arqueólogos descobriram 90 fragmentos de um verticilo datado do século 3 aC ao século 3 dC. E a forma dessas descobertas indica as conexões com o sul da China e a Índia. [24]

Japão Antigo Editar

A evidência mais antiga de tecelagem no Japão está associada ao período Jōmon. Esta cultura é definida pela cerâmica decorada com padrões de cordas. Em um monte de conchas na prefeitura de Miyagi, datando de cerca de 5.500, alguns fragmentos de tecido foram descobertos feitos de fibras de casca de árvore. [25] Fibras de cânhamo também foram descobertas no monte de conchas Torihama, província de Fukui, que remonta ao período Jōmon, sugerindo que essas plantas também poderiam ter sido usadas para roupas. Algumas impressões de padrões de cerâmica também representam designs de tapete finos, comprovando suas técnicas de tecelagem. Os padrões na cerâmica Jōmon mostram pessoas usando vestimentas curtas, calças justas, mangas funil e cintos em forma de corda. As representações também mostram roupas com padrões que são bordados ou pintados com desenhos em arco, embora não seja aparente se isso indica a aparência das roupas ou se esse simplesmente é o estilo de representação usado. A cerâmica também não mostra distinção entre vestimentas masculinas e femininas. Isso pode ter sido verdade porque, durante aquele período, as roupas eram mais para decoração do que distinção social, mas também pode ser apenas por causa da representação na cerâmica, ao invés de como as pessoas realmente se vestiam na época. Como agulhas de osso também foram encontradas, presume-se que eles usavam vestidos costurados juntos. [26]

A seguir foi o período Yayoi, durante o qual o cultivo do arroz foi desenvolvido. Isso levou a uma mudança das comunidades de caçadores-coletores para sociedades agrárias, o que teve um grande impacto sobre o vestuário. De acordo com a literatura chinesa dessa época, começaram a ser usadas roupas mais apropriadas para a agricultura. Por exemplo, um pedaço de tecido não costurado enrolado ao redor do corpo ou uma vestimenta tipo poncho com um orifício para a cabeça cortado. Essa mesma literatura também indica que se usava maquiagem rosa ou escarlate, mas também que os maneirismos entre pessoas de todas as idades e sexos não eram muito diferentes. No entanto, isso é discutível, pois provavelmente havia preconceitos culturais no documento chinês. Há uma crença comum nos japoneses de que o período Yayoi era bastante utópico antes que a influência chinesa começasse a promover o uso de roupas para indicar idade e sexo.

De 300 a 550 DC foi o período Yamato, e aqui muito do estilo de roupa pode ser derivado dos artefatos da época. As estátuas da tumba (haniwa) especialmente nos dizem que o estilo de vestimenta mudou em relação aos contos chineses da época anterior. As estátuas costumam usar uma roupa de duas peças, que tem uma parte superior com uma abertura frontal e mangas de corte curto com calças largas para os homens e uma saia plissada para as mulheres. A cultura da seda foi introduzida pelos chineses nessa época, mas devido ao custo da seda, ela só seria usada por pessoas de certas classes ou classes.

Os períodos seguintes foram o Asuka (550 a 646 DC) e Nara (646 a 794 DC), quando o Japão desenvolveu um governo mais unificado e começou a usar as leis chinesas e classificações sociais. Essas novas leis exigiam que as pessoas usassem estilos e cores diferentes para indicar status social. As roupas tornaram-se mais longas e mais largas em geral e os métodos de costura mais avançados. [27]

Período Clássico das Filipinas Editar

As roupas clássicas filipinas variavam de acordo com o custo e a moda atual e, portanto, indicavam a posição social. As vestimentas básicas eram o Bahag e a saia tubinho - o que os Maranao chamam de malong - ou, em vez disso, um cobertor leve enrolado. Mas roupas mais prestigiosas, lihin-lihin, foram adicionadas para aparições públicas e especialmente em ocasiões formais - blusas e túnicas, aventais soltos com mangas, capas ou robes até os tornozelos. Os tecidos de que eram feitos eram igualmente variados. Em ordem crescente de valor, eram abacá, abacá decorado com fios de algodão coloridos, algodão, algodão decorado com fios de seda, seda, estampas importadas e um elegante abacá tecido de fibras selecionadas quase tão finas quanto a seda. Além disso, Pigafetta mencionou os fios dental e saias de tecido de casca de árvore.

Roupas sem corte, no entanto, não tinham nomes específicos. Pandong, o manto de uma senhora, significava simplesmente qualquer cobertura natural, como o crescimento de um tronco de banana ou um gânglio natal. Em Panay, a palavra Kurong, significando cabelo encaracolado, era aplicado a qualquer saia curta ou blusa e algumas melhores feitas de chita ou chita importada eram chamadas simplesmente pelo nome do próprio tecido, tabas. Da mesma forma, a saia envolvente que os tagalogs chamavam de tapis dificilmente era considerada uma saia: os visayanos simplesmente a chamavam de habul (tecido) ou halong (abaca) ou mesmo hulun (faixa).

O toucado masculino usual era o pudong, um turbante, embora em Panay tanto homens quanto mulheres também usassem um lenço de cabeça ou bandana chamado Saplung. Os plebeus usavam pudong de pano áspero de abacá enrolado em apenas algumas voltas, de modo que era mais uma faixa para a cabeça do que um turbante e, portanto, era chamado pudong-pudong - como as coroas e diademas em imagens cristãs foram chamados mais tarde. Um vermelho Pudong era chamado de magalong e era a insígnia dos bravos que mataram um inimigo. O tipo mais prestigioso de Pudong, limitado ao mais valente, era, como seu fio-dental, feito de pinayusan, um abacá de fibras finas como uma gaze selecionada por sua brancura, tingido de um escarlate profundo em padrões tão finos quanto bordados e polido até um brilho sedoso . Esses pudong eram alongados com cada feito adicional de coragem: os verdadeiros heróis, portanto, deixavam uma ponta solta com um descuido afetado. As mulheres geralmente usavam um lenço, chamado tubatub, se apertado sobre a cabeça inteira, mas também usavam um chapéu de aba larga chamado sayap ou tarindak, tecido com folhas de palmeira sagu. Alguns eram evidentemente sinais de hierarquia: quando a rainha de Humabon foi assistir à missa durante a visita de Magalhães, ela foi precedida por três garotas carregando um de seus chapéus. Chamava-se um toucado de Cebu com coroa profunda, usado por ambos os sexos para viagens a pé ou de barco Sarok, que na verdade significava ir para a água. [28]

Grécia Clássica Editar

O tecido na Grécia Antiga era tecido em um tear pesado. A primeira imagem existente de tecelagem na arte ocidental é de um lekythos de terracota no Metropolitan Museum of Art, NY. O vaso, c. 550-530 A.C.E., retrata duas mulheres tecendo em um tear vertical. Os fios da urdidura, que correm verticalmente para uma barra na parte superior, são amarrados com pesos na parte inferior, que os mantêm esticados. A mulher à direita corre a lançadeira contendo o fio de tecelagem no meio da urdidura. A mulher da esquerda usa um batedor para consolidar os fios já tecidos. [29]

O vestido na antiguidade clássica favorecia comprimentos de tecido largos e não costurados, presos com alfinetes e drapeados ao corpo de várias maneiras.

As roupas da Grécia Antiga consistiam em pedaços de lã ou linho, geralmente retangulares e presos nos ombros com alfinetes ornamentados chamados fíbulas e cintados com uma faixa. As vestimentas típicas eram os peplos, uma túnica solta usada pelas mulheres, as chlamys, uma capa usada por homens e o chiton, uma túnica usada por homens e mulheres. Os chitons dos homens pendiam até os joelhos, enquanto os das mulheres caíam até os tornozelos. Um longo manto chamado himation foi usado sobre os peplos ou clamys.

A toga da Roma antiga também era um pedaço de tecido de lã sem costura, usado por cidadãos do sexo masculino, enrolado ao redor do corpo em várias formas, sobre uma túnica simples. As primeiras túnicas eram dois retângulos simples unidos nos ombros e nas laterais, depois as túnicas tinham mangas costuradas. As mulheres usavam a estola drapeada ou uma túnica até os tornozelos, com uma palla semelhante a um xale como vestimenta externa. Lã era o tecido preferido, embora linho, cânhamo e pequenas quantidades de caro seda e algodão importados também fossem usados.

Idade do Ferro Europa Editar

A Idade do Ferro é amplamente identificada como se estendendo do final da Idade do Bronze por volta de 1200 aC a 500 dC e o início do período medieval. Corpos e roupas desse período foram encontrados, preservados pelas condições anaeróbicas e ácidas das turfeiras do noroeste da Europa. Uma recriação dinamarquesa de roupas encontradas com tais corpos indica vestidos, túnicas e saias de lã tecida. [30] Eles não tinham forma e eram mantidos no lugar com cintos de couro e broches ou alfinetes de metal. As vestimentas nem sempre eram lisas, mas incorporavam decoração com cores contrastantes, principalmente nas pontas e bordas da vestimenta. Os homens usavam calças, possivelmente com a parte inferior das pernas envolta para proteção, embora Boucher afirme que calças compridas também foram encontradas. [31] O calor veio de xales de lã e capas de pele de animal, provavelmente usadas com a pele voltada para dentro para maior conforto. Gorros foram usados, também feitos de peles, e havia ênfase em arranjos de cabelo, de tranças a elaborados nós Suebianos. [32] Sapatos com cordões macios feitos de couro protegiam o pé.

A história da roupa e dos têxteis medievais europeus inspirou um grande interesse acadêmico no século XXI. Elisabeth Crowfoot, Frances Pritchard e Kay Staniland são os autores Têxteis e vestuário: achados medievais de escavações em Londres, c.1150-c.1450 (Boydell Press, 2001). O tema também é tema de uma série anual, Roupas e têxteis medievais (Boydell Press), editado por Robin Netherton e Gale R. Owen-Crocker, Professor Emérito de Cultura Anglo-Saxônica na Universidade de Manchester.

Edição de Bizâncio

Os bizantinos faziam e exportavam tecidos ricamente estampados, tecidos e bordados para as classes superiores e tingidos e impressos para as classes inferiores. [33] Na época de Justiniano, a toga romana havia sido substituída pela túnica, ou longa quitão, para ambos os sexos, sobre os quais as classes superiores usavam várias outras vestimentas, como um Dalmatica (dalmatic), a heavier and shorter type of tunica short and long cloaks were fastened on the right shoulder.

Leggings and hose were often worn, but are not prominent in depictions of the wealthy they were associated with barbarians, whether European or Persian. [34]

Early medieval Europe Edit

European dress changed gradually in the years 400 to 1100. People in many countries dressed differently depending on whether they identified with the old Romanised population, or the new invading populations such as Franks, Anglo-Saxons, and Visigoths. Men of the invading peoples generally wore short tunics, with belts, and visible trousers, hose or leggings. The Romanised populations, and the Church, remained faithful to the longer tunics of Roman formal costume. [35]

The elite imported silk cloth from the Byzantine, and later Muslim, worlds, and also probably cotton. They also could afford bleached linen and dyed and simply patterned wool woven in Europe itself. But embroidered decoration was probably very widespread, though not usually detectable in art. Lower classes wore local or homespun wool, often undyed, trimmed with bands of decoration, variously embroidery, tablet-woven bands, or colorful borders woven into the fabric in the loom. [36] [37]

High Middle Ages and the rise of fashion Edit

Clothing in 12th and 13th century Europe remained very simple for both men and women, and quite uniform across the subcontinent. The traditional combination of short tunic with hose for working-class men and long tunic with overdress for women and upper-class men remained the norm. Most clothing, especially outside the wealthier classes, remained little changed from three or four centuries earlier. [38]

The 13th century saw great progress in the dyeing and working of wool, which was by far the most important material for outerwear. Linen was increasingly used for clothing that was directly in contact with the skin. Unlike wool, linen could be laundered and bleached in the sun. Cotton, imported raw from Egypt and elsewhere, was used for padding and quilting, and cloths such as buckram and fustian.

Crusaders returning from the Levant brought knowledge of its fine textiles, including light silks, to Western Europe. In Northern Europe, silk was an imported and very expensive luxury. [39] The well-off could afford woven brocades from Italy or even further afield. Fashionable Italian silks of this period featured repeating patterns of roundels and animals, deriving from Ottoman silk-weaving centres in Bursa, and ultimately from Yuan Dynasty China via the Silk Road. [40]

Cultural and costume historians agree that the mid-14th century marks the emergence of recognizable "fashion" in Europe. [41] [42] From this century onwards, Western fashion changed at a pace quite unknown to other civilizations, whether ancient or contemporary. [43] In most other cultures, only major political changes, such as the Muslim conquest of India, produced radical changes in clothing, and in China, Japan, and the Ottoman Empire fashion changed only slightly over periods of several centuries. [44]

In this period, the draped garments and straight seams of previous centuries were replaced by curved seams and the beginnings of tailoring, which allowed clothing to more closely fit the human form, as did the use of lacing and buttons. [45] A fashion for mi-parti ou parti-coloured garments made of two contrasting fabrics, one on each side, arose for men in mid-century, [46] and was especially popular at the English court. Sometimes just the hose would have different colours on each leg.


The Democratization of Fashion: A Brief History

“Fashion for all” is hardly a novel conceit. It has no single beginning to pinpoint it’s the unceasing stream of information between the fashion industry and its consumers that has existed since seamstresses first sewed custom-designed gowns (haute couture almost literally means high sewing) for queens and socialites.
Long before fashion weeks showcased the next season’s trends some six months in advance, designers held trunk shows for aristocratic clients to order before they packed up and shipped off for extended vacations. Money and status weren’t the only barriers to all-access fashion. In the early days of Mercedes-Benz Fashion Week, it was called Press Week with store buyers prohibited from attending.

Still, the artificial walls between the people and high fashion have never stood from floor to ceiling. The democratization of fashion largely started when Vogue first pressed pages in 1892 and New York rolled out Press Week runways in 1943 to divert attention from couturiers in Paris, which was Nazi-occupied and therefore impenetrable to the needy stateside fashion world. Its DNA partly lies in Anna Wintour’s choice to put Michaela Bercu in jeans on the first cover she oversaw at the helm of Vogue and her engineering Fashion’s Night Out during the recession in 2009 to encourage full-price shopping through red carpet treatment.

Fast forward to 2013, when Mercedes-Benz Fashion Week announced that all 54 shows would be streamed online from Lincoln Center on Mercedes-Benz Fashion Week’s own website (as opposed to YouTube, which has done so for the past three years), the once-exclusive world of fashion and beauty struts ever further from its once exclusive realm. Not only are the designs and styles more accessible than ever, the entire industry, from inspiration to presentation, are exposed to anyone with a keen curiosity.

Social media’s constructed craving for minute, behind-the-scenes details and access kicked in the door that these institutions opened, which had since been propped open by expository reality TV, diffusion brands and fast fashion.

Here, we take a look at this brief history of the democratization of fashion.

Target/Isaac Mizrahi: Fans of Prabal Gurung, Proenza Schouler and Missoni should thank Isaac Mizrahi for designing Target’s first high-end diffusion collection 10 years ago. Mizrahi was an acclaimed designer with an inconsistent track record before he paired up with Target to design clothing and home goods under his name in 2002. The venture was mutually beneficial—Mizrahi’s clothing, accessories, bedding and more sold for as much as $300 million a year and created luster for the chain bargain store. The six-year partnership made Mizrahi a household name and turned Target into a destination for high fashion. Marc Jacobs and Vera Wang have since lent their name and vision to store items.

Street style Blogs/Instagram/Twitter: When Man Repeller Leandra Medine invites Instagrammers to her arm parties, she lets them simultaneously mingle with Hermes and Forever 21. The fashion blogger’s take on style—“outfitting oneself in a sartorially offensive mode that may result in repelling members of the opposite sex”—exemplifies the ironic nature of haute couture. It is elusive and expensive, but often impractical and unappealing. Medine’s method of mixing high and low is typical of the most popular fashion blogs, which show readers how to mix as few as one luxe item into an outfit. Cupcakes and Cashmere, The Sartorialist, Atlantic-Pacific and others show “normal,” i.e. not (at least prior to blogging) famous or particularly wealthy subjects regularly wearing fashionable outfits. The blogs, whether informative or self-serving (or both), inspire shoppers to binge and/or experiment, which creates curiosity in and consumers for high-end brands.

Social media has become the great equalizer in fashion. Insiders use social media the same way that Medine does, and in doing so, reveal traces of inspiration and mystery. Prabal Gurung Instagram photos of stimulating images like a bright-colored sari and Oscar PR Girl shares behind-the-scenes pictures and anecdotes with Oscar de la Renta to her Instagram accounts. Alexander Wang, Christian Louboutin and Diane von Furstenberg are among the most popular designers on Twitter, with hundreds of thousands of followers each. Their tweets, whether mundane or scintillating, demystify the fashion industry and let followers interact with every part of the process.

ANTM/Project Runway: The reality show juggernauts are as backstage as it gets. Project Runway shows how a seed of creativity blossoms into a 10-look runway show through the course of a three-month season. Aspects like standby judge Michael Kors’ commentary presented fashion through the eyes of seasoned veterans. The show lets viewers spot uneven hems, critique a gown’s fit, think like a designer and watch a sartorial story unfold as if they are sitting in the front row of an avant garde show. Similarly, America’s Next Top Model turned interest in model from niche to normal. Watching hopeful cover girls walk, pose and mug for Tyra Banks, Twiggy and Janice Dickinson educates viewers on smizing and strutting as a living. The shows aim to entertain, but the effect is also a diffusion of fundamental layers of the fashion cake.

Fast Fashion: As the famous scene in Devil Wears Prada points out, a trickle-down effect is inevitable, but close copies are taboo. For that reason, we have fast fashion. Fast fashion was born in the 80’s, but the public’s keen eye on catwalks has made it a dynamic adult. The process is familiar–stores like Zara, Topshop, H&M and Forever 21 parlay runway designs into similar cuts, colors and patterns to be sold sooner and for less in more stores. It’s not without its controversy Forever 21 has faced several intellectual property lawsuits for mimicking fashion houses like Anna Sui and Diane von Furstenberg. The temptation to capitalize on the hottest trends is hard to resist, as it is cheap to do, it generates billions of dollars and earns the store a cache for being constantly in vogue, even if the designs are not original. Whatever the origin, the product has the effect of making every sidewalk a runway. Fast fashion stores allow even broke fashionistas to parrot their favorite designers or celebrities at a fraction of the price. It’s ubiquitous, but it makes people care about, say, Rodarte, in a way they might not otherwise.

Broadcasting Lincoln Center Shows: Mercedes Benz Fashion Week’s live broadcasts make the circle of life between designers and the masses a little tighter. Curious consumers can ogle next season’s biggest trends without a press pass or hobnobbing with celebrities, for better or worse. Perhaps that’s the biggest difference–physical presence. Virtual access to high fashion, whether online on TV or on knockoffs is cheaper and easier, it’s far more democratic. But being able to say “I was there?” It seems that that is still priceless.


Textiles were invented when humans needed them and some of them were invented by different cultures that never had any mutual contacts. Some were invented with one intent only to be later used for completely different one. History of textile is wide and colorful.

Knitting and weaving are two very interesting achievements of human race. Nobody knows who was the first who got the idea to make fabrics in that way but we know that the idea was brilliant.


Glossary of Renaissance Fashion

Once again I shall make a glossary of clothing terms, this time from the Renaissance. Some of the terms I defined for Medieval clothing were also used during the Renaissance and I will most likely use some of those terms in current posts, so their definitions can be found here.

basquine — boned bodice made of whalebone and leather, gave the appearance of wider shoulders tapering to a tiny waist (women)

beret— thin, loose hats that usually tilted towards one side of the head

bombasting — stuffing for trunk hose, peascod-belly, and leg-of-mutton sleeves, composed of rags, flock, and other materials

bourrelet — wider version of the farthingale adapted in France, more cylindrical in shape rather than conical (women)

bum roll/bolster — roll of padding tied around the hip line to hold the skirt out from the body, less restrictive than the farthingale (women)

camicia — undershirt usually made of white linen (men)

canions — upper stocks worn from the doublet to the knee (men)

chopines — shoes that elevated the wearer, eventually developed into high heels

crescent cap — circular/heart-shaped cap worn towards the back of the head with a velvet veil covering the rest of the hair

codpiece — padded triangle of fabric worn laced to the front of the trunk hose over the groin (men)

copotain — high bell-shaped hat

duckbill shoes/scarpines/ox-mouth shoe — large, wide, square-toed shoes often decorated with jewels or slashes (men)

enseigne — disc-shaped hat ornament, usually extremely detailed with jewels/carvings (men)

farthingale — topmost petticoat, hooped to give shape to the skirt (women)

finestrella sleeves — sleeves where the outer fabric was slit horizontally and the sleeves of the undergarment were pulled through (women)

flat cap — flat hat with soft crown and moderately broad brim (men)

funnel sleeves — sleeves that were fitted at the upper arm and ballooned out, fitted tightly around wrist

Kennel or Gable Headdress

jerkin— short velvet or leather jacket, usually sleeveless (men)

kennel/gable headdress — pentagonal piece worn over the top of the head with veil/bag cap of dark velvet attached to the back and covering hair (women)

leg-of-mutton sleeves — puffed sleeves that extended the entire length of the arm

neck wisk — a falling ruff that was open at the front, resembling a collar

nether stocks — trunks worn under breeches, long enough so that the bottoms could be seen (men)

pantofles — wooden platforms attached to the sole of the shoe with pieces of fabric to protect them from rain, snow, and mud

peascod-belly doublet — doublet rounded at the abdomen to give the appearance of a filled-out belly (men)

points — resembled shoelaces, used to attach trunk hose to doublets or sleeves to doublets or bodices (lacing/trussing)

pokes — apron-like pockets tied to the doublet (men)

ruff — starched (often with different colors) and wired collar pleated into ruffles, could be made of lace or jeweled, usually had matching cuffs

shoe rose — decoration usually made of lace or jewels that was worn at the front of the shoe

slashing and puffing — slits cut in a garment with fabric from the undergarment pulled through to form puffs

stomacher — stiffened triangular piece worn at the front of the bodice, reaching from neckline to lower abdomen (women)

supportasse — frames of silk-colored wire pinned underneath the ruff to keep it in place

trunk hose/pumpkin hose — ballonish-looking breeches that extended from the end of the doublet to about mid-thigh (men)

Venetians— full breeches that reached the knee

verdingale/farthingale frill — stiff wheel of fabric, often pleated, worn between the bodice and the skirt (women)

wasp waist — deep V-shaped waistline that extended over the skirt

asas — rolled fabric worn vertically around each shoulder, between the sleeve and the bodice

wisk/Medici collar — fan-shaped pleated collar, stiffened with wire and open at the front

zipone — buttoned tunic that reached the knee worn over the doublet (men)

zornea — cape with wide sleeves, belted at the waist (men)


Figs in the Garden

The deciduous fig tree can live as long as 100 years and grow to 50 feet tall, though they more typically stay between 10 to 30 feet. The twisty branches spread wider than the tree height. Figs flourish in hot, dry climates and the fruit requires the all-day sun to ripen.

Botanically, the fig isn't actually a fruit but a syconium. It's a portion of the stem that expanded into a sac containing flowers that grow internally. The common fig contains only female flowers and propagates without pollination. Other cultivars require pollination.


The Complicated Rise and Fall of Udoli, an Unsung Subculture of Black Fashion History

Udoli style (source)

Black women have been at the forefront of many cultural trends throughout the centuries, from hoop earrings worn by ancient Nubian civilisations and 80s disco divas alike, to streetwear trends pioneered by R&B and Hip Hop artists of the 90s. There is one unsung fashion subculture however, which never quite took off with mainstream consumers but for a small group of young Black women on the internet, it became a lifestyle. Let’s take a look at the fashion non-phenomenon known as: Udoli.

Variations of Udoli and Ulzzang (via Tumblr)

In the mid-00s there was a sudden boom of Western intrigue in Eastern culture, particularly Japanese and Korean culture thanks to the rise of social media sites like Myspace, Facebook, and Twitter, which encouraged a wider exposure to trends like anime, K-pop and J-pop. Some of the most popular fashion trends to take off were kawaii fashion subcultures that allow for self-transformation centered around cuteness and doll-like archetypes. Style genres emerged such as “Ulzzang” (ool-jung) a Korean term meaning ‘best face’, “Lolita fashion” highly influenced by Victorian clothing and styles from the Rococo period, and “Gyaru” (the Japanese pronunciation of the word gal), an eclectic Japanese street style with a dizzying array of variations and subcategories.

While these new interests were popular online, they were still largely unknown to mainstream western culture. As a result, westerners with fringe interests turned to the internet to build communities where they could learn more and connect with other teens who shared their tastes in eastern fashion, music, and media. But for darker skinned participants, it turned out to be a different story.

Ulzzang looks. Source: @dani.theflowerthief Fonte

In many Ulzzang groups, it was common practice to hold something known as “best face” contests in which any member of the community could enter and other members could vote or comment on their pictures. But when Black or other darker skinned enthusiasts entered, they were swiftly discouraged. Troubling biases such as the right nose size, bone structure, mouth shape or skin tone came into play and the forums became rife within online bullying. While Asian and white participants were being praised as the most “kawaii” (a Japanese word for cute) or consistently winning the “best face” contests, the message was clear. And when Black and Brown members spoke up about their mistreatment online, they were often dismissed as being overly sensitive.

b-Gyaru looks (via)

To further complicate matters within the youth subculture, in one niche sub genre of Gyaru called ‘b-Gyaru‘, which draws influence directly from Black American hip-hop culture (yes the ‘B’ does mean what you think it means), Black participants also found themselves excluded and criticised for not being “kawaii” enough.

b-Gyaru looks (via) b-Gyaru looks (via) b-Gyaru look (via Tumblr)

Despite the fact that many Gyaru girls wore appropriated style such as box braids, acrylic nails, hoop earrings and even darker makeup to achieve a more tanned skin tone, Black girls were even told the make-up didn’t “look right” on them. Black Gyaru members, who were undeniably skilled at recreating the looks and styles of the fashion were often the subject of vitriolic gossip on online hate forums like Gyaru Secrets, a gossip blog for Gyaru girls.

So this brings us to creation of Udoli …

Udoli (via)

Udoli (the Zulu word meaning Doll) was a subculture of fashion created in 2008 by Ulzzang enthusiast, Vivi Jochan, in response to the discriminatory gatekeeping she had faced from those communities. “A fashion movement that tries to bring out the beauty of different cultures … ANYONE can be udoli,” read the genre’s official byline. The group originally emerged as a safe space for Black and Brown girls who were interested in Gyaru and Ulzzang, a haven for young girls who shared similar interests in music, fashion, anime, and art. Vivi would eventually hand the reins of the burgeoning Udoli movement over to another fashionista by the name, Nuru, who went on to transform Udoli into its own distinct genre of fashion. Nuru envisioned Udoli as a new style altogether, that would centre Black women and provide an alternative to Ulzzang, Gyaru as well as other Asian sub fashions. She, along with a team of other Udoli members, collaborated to conceptualise six different sub categories for Udoli by drawing influence from African, Caribbean, and Native American cultures as well as the already existing Asian styles.

Nuru, was determined to distinguish Udoli as its own style rather than ‘Black ulzzang’ as it had come to be known. This gave all of the members a common goal to work towards and further built up a sense of community. Group members helped to refine the genre by creating their own interpretations of each sub category via YouTube tutorials and lookbooks. The teenage fashionistas created Tumblr blogs, Pinterest boards, Polyvore pages and playlists for inspiration, while other members would use these guidelines to cultivate their own personal Udoli style.

Kawaii looks (via) A Udoli look (more via Tumblr)

During its most active years, Udoli photoshoots, makeup tutorials and blogs began popping up all over the web as participants endeavoured to spread the word about their subculture. There was even a —now defunct— official Udoli website and contests were held to boost group morale and encourage participation. The community was small, but its participants were genuine in their enthusiasm for the inclusive message and intent of Udoli.

Udoli styles (source)

Udoli was not without its detractors, however. Outsiders ridiculed Udoli’s efforts, accusing the genre of “ripping off” Ulzzang and Gyaru. As participation grew, Udoli also faced legitimate criticism regarding cultural appropriation. In a now lost Tumblr post, an African fashion blogger noted that painting cat whiskers and dots on your face was not representative of Africa and that Africa was more than animal prints and face spots. In response to this, an African Udoli member created a visual guide on the significance of dot placements in different African cultures.

Despite these criticisms, the members of Udoli, continued to cultivate and promote the style, but by 2013, Udoli was struggling to retain its veteran members. The founding members who were still around were either more interested in other subcultures, outgrowing alternative fashion, or were experiencing burn outs from trying to mobilize Udoli for so long. A few of the original members who were still around worked hard to revitalise Udoli by creating new contests, Q&A’s, and putting together style guides, but these efforts were in vain more often than not. New girls joining the lifestyle would find moderately inactive groups and eventually, Udoli’s long appointed leader, Nuru, announced her intentions to step away from Udoli, stating that she felt the style had run its course. In 2016, the Udoli Facebook group would cease activity.

via The Udoli Tumblr

Despite its inability to establish itself as a fashion foothold, if nothing else, Udoli highlights Black women’s perseverance and ability to form a sense of community in the face of discrimination. Brief as it was, Udoli is a piece of forgotten Black American fashion history and unquestionably, a product of its time.

Variations of Udoli and “Black Ulzzang” (via Tumblr)

As a former Udoli member looking back on myself and these young women, we were simply trying to do what other people are able to do on the internet – just exist and have fun exploring fashion. We might have gone about it the wrong way but we were out there creating a whole new fashion subculture. In a sense, we were ahead of the trends in many ways, because right around that same time, the natural hair movement was taking off as well as the Carefree Black girl movement (arguably pre-Cottagecore). And now we have settled on Black Girl Magic. I will always look back on my time with Udoli with fondness. It will probably never be replicated and should stay exactly where it is, but you had to be there to understand just how special Udoli was.


Fashion designing - the then and now

Fashion designing can be loosely defined as 'the art of creating fashionable apparel '. With the passage of time, however, the concept of 'fashion designing' has extended to other things such as fashion accessories such as jewellery, bags, footwear, etc. Keeping in mind the evolution of fashion designing, it would not be wrong to define it as 'the creation of fashion '.

Fashion designing has indeed come a long way from the mere designing of clothing. Fashion designing has evolved into a full-fledged industry today. It is well accepted as a career option all over the world. Apart from designing, there are a number of other career alternatives that have emerged in this industry with the passage of time. This article seeks to study the evolution of the industry of fashion designing the then and now.

o origin of fashion designing dates as far back as 1826. Charles Frederick Worth is believed to be the first fashion designer of the world, from 1826 to 1895. Charles, who was earlier a draper, set up a fashion house in Paris. It was he who started the tradition of fashion houses and telling his customers what kind of clothing would suit them.

During this period, a number of design houses began to hire the services of artists to develop patterns for garments. Patterns would be presented to the clients, who would then place an order if they liked them. It was during this timeframe that the tradition of presenting patterns to the customers and then stitching them began, instead of the earlier system wherein the finished garments would be presented to them.

In the beginning of the 20 th century, new developments in fashion would take place in Paris first, from where they would spread to the rest of the world. New designs of clothes would be born in Paris before they found their way to other parts of the world. In other words, Paris emerged as the 'fashion capital'. 'Fashion' during this period was mostly ' haute couture ', exclusively designed for individuals.

Towards the mid-20 th century, fashion garments began to be mass-produced. The bulk of production increased, and people began to have more choices of garments. Towards the end of the 20 th century, fashion awareness among people increased, and they began choosing clothes for themselves based on comfort and their own style, instead of relying on the trends prevailing in the market.

Today, as stated above, f ashion designing is well accepted as a career option . A number of institutes have come up the world over, offering courses in various arenas of fashion. The number of students who consider fashion as a serious career and who have gone in for courses in the same has gone on rising over the years.

Specializations in fashion designing have come into being. There is a wide range of options for a designer to choose from, such as lingerie, swimwear, women's wear, bridal wear, children's wear, men's wear, footwear, handbags, etc. Fashion designers used to be self-employed earlier now find a number of career opportunities open for them. They can work with garment firms and export houses. They may also be engaged in the job of remodeling haute couture and adapting them to the tastes of the mass market. They might also hold jobs in departmental stores or specialty stores.

Developments in the field of fashion designing have given rise to other related career paths such as hairstylist, make-up artist, fashion journalists, fashion advisors, fashion photographers, etc.

Another significant change that has come about in the fashion designing industry in recent times is the increased use of computers and technology . A number of software packages have come up to aid designers in the process of designing as well as other stages in the production of a garment, easily and speedily.

Fashion designing as a trade has also grown. Fashion designers have gone on to get repute not only in their own countries, but internationally as well. The number of fashion shows and participation in the same has gone up considerably in recent times.

Fashion designing is thus no longer only the designing and creation of a garment, but it is a world in itself involving fashion, design, creativity, technology as well as business.



Comentários:

  1. Nixkamich

    Eu acho que você está errado. Tenho certeza. Eu proponho discutir isso. Me mande um e-mail

  2. Gahariet

    Eu tenho fé nisso.

  3. Gardagrel

    Absolutamente concorda com você. É a excelente ideia. Eu o mantenho.

  4. Clayson

    Tenho certeza de que você está enganado.



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